Iluminación Teatral. Conceptos Básicos.

La iluminación teatral forma parte importante de las artes y técnicas que se usan como complemento de la danza. Es un refuerzo a lo que se quiere transmitir en una coreografía, creando ambientes y atmósferas que provocan sentimientos y emociones en el espectador.
La iluminación escénica o teatral, es una materia muy extensa y muy compleja. Para dominarla, hay que saber mucho de física, matemáticas, circuitos eléctricos, voltajes, etc. No es necesario que un bailarín posea todos estos conocimientos, pero sí debería preocuparse por entender al menos algunos conceptos básicos. Así como cuando hablamos de la música y el ballet y comentamos que el bailarín debe dominar ciertos conceptos elementales de la música, y que el músico debe tener conocimientos sobre el ballet; así también, el bailarín debe aprender lo básico sobre iluminación y el iluminador debe conocer la coreografía, su carácter y lo que intenta comunicar.

En el antiguo Teatro Griego, hasta el siglo XVI, las representaciones se hacían de día para que el público pudiera disfrutar de la obra. Después se utilizaron las antorchas, hogeras, velas, y posteriormente, lámparas de petróleo y de gas. Se dice que en 1664 se utilizaron aproximadamente 20,000 velas para iluminar el Teatro de Versailles. El cambio de la lámpara de gas a la luz eléctrica, gracias al invento de Thomas Alva Edison, significó un cambio radical en la forma de hacer teatro. La Opera de París y el Teatro Savoy de Londres fueron los primeros en utilizar la luz eléctrica. En 1970 se empiezan a utilizar los tableros de control computarizados. El desarrollo de la iluminación teatral, se basa en el control de las propiedades de la luz: intensidad, color, forma, distribución y movimiento.

Tipos de Reflectores.

Los reflectores más utilizados en el teatro son:

Leko

Reflector de tipo elipsoidal. Produce una luz dura y definida. Es útil en la parte frontal, donde la luz no debe derramarse. Tiene un portamicas donde se pueden colocar láminas con recortes para hacer efectos especiales y filtros de color. Posee un sistema de navajas para dar formas definidas recortando la luz.

Fresnel

Luz difusa. Es pequeño, ligero y fácil de manejar. Puede llevar viseras en su boca para evitar fugas de luz.

Diabla o Batería

Es una tira de luces en batería. Su uso más común es de fondo o iluminación del ciclorama, principalmente de arriba hacia abajo. Luz suave y difusa.

Panorama

Son lámparas con un reflector parabólico que producen una luz muy brillante y concentrada pero no permiten ningún control sobre el ángulo o el contorno de su haz. Se utilizan para iluminación muy general, principalmente del fondo o del ciclorama.

Cañón
También llamado "seguidor". Foco equipado con una lámpara de gran intensidad, con la que se consigue un haz de luz muy intenso y de gran definición para seguir a un actor/bailarín en la escena desde el fondo de la sala. El uso del cañón se reserva por lo general para la estrella de la obra, siendo menos frecuente en piezas abstractas.

 Dimmer

Es un dispositivo que funciona como regulador de voltaje. Aquí se conectan todas las luces, y el dimmer a su vez se contecta al tablero de control.

Tablero o Mesa de Control

Desde el tablero, el operador puede manejar, ya sea de manera independiente o de manera conjunta a través de un canal master, la intensidad de los reflectores.

¿Dónde se colocan los reflectores?

Varas

Como su nombre lo indica, son varas de metal que se encuentran suspendidas sobre el escenario

Varales Laterales

Son instalaciones fijas a los lados del proscenio o en las paredes de la sala.

Torres

Se colocan entre las piernas (en las calles), a los lados del escenario. Pueden ir al nivel del piso, en pedestales, o a la altura de las varas. Su mayor utilidad es en la danza.

Puentes

Son parrillas colgadas del techo en la sala, fuera del escenario.

Dirección de la luz...

Frontal

Se ilumina al bailarín/actor, de frente y de arriba hacia abajo. Normalmente se combina con otras posiciones ya que la luz frontal tiende a quitar profundidad a la escena.

Cenital

De arriba hacia abajo. Se crean sombras grandes dando un efecto dramático. Su nombre proviene del punto celeste denominado “cenit” y que es perpendicular a cualquier punto de la tierra.

Lateral

La fuente de luz está colocada a los lados del escenario, ya sea en lo alto, a un nivel medio, o a nivel de piso. Es muy útil para definir los cuerpos.

Contraluz

Se produce cuando la fuente de luz está detrás del objeto iluminado y el espectador solo puede ver su silueta.

Nadiral

Se ilumina al objeto de abajo hacia arriba. Proyecta sombras sobre el rostro que lo hacen parecer siniestro. Su nombre proviene del punto celeste contrario al cenit, nadir.

En la danza, los elementos más utilizados son los cenitales y los laterales cruzados, sin embargo, en el ballet clásico la iluminación es más dramática, ya que existe una trama narrativa, el color es fuerte y brillante. En la danza contemporánea, la iluminación es mas abstracta, tratando de crear atmósferas.

El color

El color se da a través de filtros (láminillas de vidrio óptico o de gelatina plástica) que se colocan en los reflectores.

Los colores, de acuerdo a su temperatura, los podemos clasificar en cálidos: que abarcan toda la gama de rojos, naranjas y amarillos; y fríos: los azules y violetas.

Aunque la elección del color debe ser decisión del diseñador de iluminación, a continuación algunas sugerencias para crear ambientes y atmósferas: 

Azul: luz de luna, ilusión de noche, escenas de fantasía, efectos de agua,

Ambar: aumenta los tonos claros de la piel, luz solar, combinado con un poco de azul da impresión de luz natural, con un poco de rojo puede ser atardecer, combinado con verde da un efecto de putrefacción en la piel,

Naranja: luz de sol romántica y exagerada para las ventanas y los reflejos del fuego

Rojo: Escenas de violencia, de guerra, de pasión. Se le asocia también con el fuego, el vigor, la actividad, el poder, la excitación, la alegría y el amor. Debe ser usado con moderación. Es aconsejable rebajarlos con blanco.

Para concluir quiero compartir un fragmento del discurso de Jennifer Tipton, diseñadora de iluminación norteamericana, en el Isabella Gardener Stewart Museum de Boston, en 1997:

"La luz es un medio difícil de explicar en palabras. Es difícil hablar de él cuando uno es incapaz de mostrarlo. Es como hablar de música siendo incapaz de tocar una nota. La luz no existe hasta que golpea contra algo, y ese algo siempre es percibido en primer lugar, mucho más fuerte y claramente que la luz que lo revela. Gracias a los diseñadores de iluminación el mundo en que vivimos está lleno de aire que captura luz.

El escenario de una producción teatral marca los límites del espacio, pero es la luz la que marca o llena el volúmen de ese espacio, brindándole a los actores, bailarines y cantantes un paisaje donde existir".

Para saber más:

Manual Básico de Iluminación Escénica, de Valentín Orozco

La luz en el teatro. Manual de Iluminación, de Eli Sirlin

El Teatro en tus Manos: Iniciación a la Práctica Escénica, de Rafael Portillo