La Comedia del arte (Commedia dell'Arte) es una manifestación artística nacida a mediados del siglo XVI en Italia (en el teatro) y conservada hasta comienzos del siglo XIX (¡casi 300 años!). Se asume que proviene de los artistas nómadas, itinerantes y bulliciosos (saltimbanquis) que formaban parte de la sociedad italiana del siglo XVI. Posteriormente se extendió por otros países como fenómeno cultural influenciando a las otras artes como el ballet, la ópera, la pintura, etc.
Mientras más se estudia y profundiza en la materia, más dificil resulta definir lo que era la Commedia dell’arte en sus orígenes. Por ejemplo, el término Commedia dell’arte no se utilizaba durante su apogeo. Fue hasta años posteriores que los historiadores le dieron ese nombre.
Sus orígenes se encuentran en el teatro callejero e itinerante, mezclando elementos del teatro del Renacimiento Italiano con tradiciones carnavalescas (máscaras y vestuario), recursos mímicos y habilidades acrobáticas. Las historias o argumentos que representaban eran tramas muy sencillas, que solían relatar las aventuras y vicisitudes de una pareja de enamorados (por ejemplo Florindo e Isabella) ante la oposición familiar (Pantaleone o Il Dottore). Las intrigas, mimos, chistes y acrobacias estaban a cargo de los llamados “zanni" (criados) como Arlequín y Colombina, el astuto Brighella, el torpe Polichinela o el rústico Truffaldino. La riqueza de las tradiciones orales populares, la antigua división regional italiana y por consiguiente su variedad de lenguas locales, utilizadas coloquialmente por los actores en sus improvisaciones hicieron que en la práctica, cada región de Italia crease la máscara de su dialecto local. Por ejemplo, Arlequín y Brighella proceden de Bérgamo; Pantalone, de Venecia; el Doctor, de Bolonia; Stenterello, es la máscara local florentina; y Pulcinella, Coviello y El Capitán, son de origen napolitano.
La Commedia dell’arte era una nueva forma de hacer teatro donde los actores se liberaban y podían crear sus propios personajes y situaciones (improvisación); se acercan mucho al publico haciéndolo participar; y todo estaba lleno de bailes, música y acobracias. Se burlan de la antigua manera de hacer teatro. Toman todas las características de la época y se rien y hacen una critica de la sociedad; lo cual provoca muchas reacciones e incluso su prohibición en algunos lugares.
Hay que considerar que un fenómeno teatral que duró más de tres siglos y que se desarrolló con personalidad propia en varios países, no puede describirse con características absolutas y concretas. Las máscaras, por ejemplo, son un elemento característico de la comedia del arte, pero hay abundantes ejemplos y fuentes que demuestran que no siempre se usó. El mismo criterio habrá que aplicar a las siguientes características:
- Personajes fijos.
- Uso de dialectos o lenguas locales.
- Improvisación. Uno de los elementos mas importantes de la Commedia dell’arte. Las habilidades del actor adquieren una mayor importancia al ser éste, libre de actuar y explotar su personaje. Aunque la improvisación desapareció con el tiempo al considerarse un elemento informal, que resta seriedad al teatro, y al incursionar en otras artes como la ópera, la literatura y la pintura.
- Herencia de juglares, bufones y malabaristas.
- Interactividad de los actores con el público.
- Esquema de "bandos": los enamorados (o “innamorati"); los amos o ancianos (“vecchi"); y los criados, distribuidos en primer «zanni» y segundo «zanni».
- Disfraces y travestismos.
- Abuso del quiproquo. Locución latina que significa literalmente "una cosa por otra”. En el Teatro, es un recurso dramático para crear situaciones de humor y conflicto que se producen por la confusión entre un personaje y otro, o entre un objeto y otro, creándose toda clase de malentendidos.
- Máscaras. Aunque con el tiempo dejaron de utilizarse. Sólo Arlequín conservó la máscara que, de ser una máscara de rasgos toscos y moros, se transformó en un antifaz negro.
- Lazzi. Recurso escénico que mezcla mimo, acrobacias y pautas de improvisación. El juego o repertorio de lazzis incluía saltos complicados, golpes de efecto e incluso ruidos fisiológicos (eructos, pedorretas, etc). Interrumpir una escena con locuras repentinas, o con bromas ajenas al argumento de la obra que representan; inutilidades que no consisten más que en el juego que inventa el actor siguiendo su ingenio.
- Culto al circo, a la comedia y al payaso.
Los Personajes.
Algunos personajes, fueron tan populares y exitosos, que se convirtieron en el ingrediente principal de la Commedia dell'arte; la misma personalidad pero en diferente contexto. Los mas importantes son:
Arlecchino (Arlequín)
En su origen, el traje de Arlequín, nacido visualmente como el prototipo del mendigo harapiento, estaba hecho de parches y retazos de ropa vieja, que demostraban su estatus de sirviente y esclavo. Con el tiempo, se convirtió en un traje de triángulos multicolores, prevaleciendo el rojo y el verde. Tiempo después, en el siglo XVIII, el personaje tomó otras características pasando a ser un amante insidioso, y cuyos parches se convirtieron en rombos, de colores muy brillantes. Similares cambios convirtieron el original sombrero de ala, en un sombrero de bufón de influencia centroeuropea.
La máscara de Arlequín, es una síntesis de gato y mono; resume todas las características del personaje, su forma de ser, sus gestos y movimientos; de ahí su nariz chata y respingona, sus mofletes regordetes y ojos redondos (denunciando su glotonería), o las expresiones mezcla de alegría y sorpresa pero nunca de enfado. Además, la máscara de Arlequín, por lo general de cuero negro, tiene una enorme verruga o chichón en la parte alta (un posible cuerno cortado, ya que se creía que tenía un origen diabólico). El personaje original lucía grandes bigotes (atributo físico que desapareció en la adaptación francesa de la comedia del arte italiana). Casi todos los autores coinciden en citar a Tristano Martinelli como introductor de la máscara del "Arlecchino" en Europa, o al menos el primero conocido.
El personaje evolucionó y se transformó hasta que perdió definitivamente sus características originales con las "arlequinadas", género teatral cómico británico. En Alemania, y durante el periodo de la Ilustración, Arlequín y sus compañeros de la comedia del arte fueron desterrados. Se les consideraba vicios de la comedia, obscenos e inmorales. Bajo la dirección de la actriz Friederike Caroline Neuber, un muñeco de Arlequín fue quemado en el escenario en 1737, como símbolo de la expulsión del tonto del mundo ilustrado de teatro.
La imagen de Arlequín llegó a transformarse también en un moro o esclavo negro, tal y como podemos apreciar en el ballet “Petrushka”.
Personaje de la comedia del arte, también llamado Pierotto o Guilles, cuya personalidad se atribuye al cómico Giuseppe Giratoni en el siglo XVII. Llegó a Francia a finales de ese mismo siglo, donde el mimo Jean-Gaspard Deburau le dio el carácter y apariencia que le harían universal.
En su origen italiano, "Pedrolino", uno de los "zanni" (criados o siervos) secundarios, era un habilidoso bailarín. Casi un siglo después, hacia 1660-1665, el cómico Giratoni le dio relevancia en sus argumentos añadiéndole características de músico y recitador, y presentándolo en sus giras por Francia con estos atributos.
La transformación definitiva fue obra de Deburau (1796-1846) que representó al Pierrot taciturno con éxito durante varias temporadas en el "Theâtre des Funanbules" de París. Deburau estableció las características que, en adelante, definirían a Pierrot, también llamado "payaso Blanco", "Carablanca", "Enharinado" y "Listo".
Suele ir maquillado de blanco y con un disfraz claro y brillante a juego con una gran gorguera. Cambió el sombrero de lana blanca por un bonete negro para contrastar su cara. Dejó la máscara y a cambio se blanqueó el rostro con harina, se convirtió en rival de Arlequín, en lacayo de Pantalone y enamorado de Colombina (siempre sin éxito). Lo convirtió en una víctima melancólica del amor no correspondido, precedente a su vez del payaso triste, enamorado de la luna, con el que finalmente se le identifica.
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| Harlequin and Pierrot - Andre Derain. |
Nureyev - Pierrot Lunaire - 1977 (fragmento)
Pierrot llegó a convertirse también en una representación de la decadencia social. Habitante de un mundo nocturno y bizarro, señalado por su palidez y su enamoramiento con la luna, andrógino; Pierrot expresó la rebelión contra todo lo que se consideraba sano y normal. Pierrot fue la representación de todo lo que en su momento se consideraba “degenerado”. En muchas historias, Pierrot pierde la batalla por el amor de Colombina, contra un Arlequín varonilmente superior.
Pierrot se separó completamente de sus orígenes convirtiéndose en el personaje complejo y metafórico que conocemos hoy en día; incursionando también en otros campos, como la poesía y la ópera. Tal es el caso de Pagliacci de Ruggero Leoncavallo en 1892; ópera donde vemos el típico triángulo amoroso Arlequín-Colombina-Pagliaccio (Pierrot).
Los actores del cine mudo tempranos tales como: Charlie Chaplin, Buster Keaton y Laurel & Hardy también se remontan al estilo de la Commedia dell'arte. La patética imagen del payaso de Pierrot también está asociado con el mimo Charlie Chaplin, a pesar de que no tenía la cara blanca.
Pantalone (el Magnífico)
Pantaleón, Pantaleone, Pantalón y, en su origen, El Magnífico o El Bisognosi, son los nombres por los que se conoce a este personaje de origen veneciano, que representa a un rico y viejo comerciante de la ciudad. Viste jubón y se cubre con una capa negra o “zamarra".
Se presenta con máscara negra de enorme nariz ganchuda. El personaje de "Pantaleón" puede desarrollarse en dos tipos muy diferentes. En algunos «canovacci» (guiones esquemáticos sobre los que improvisa el actor) es un viejo celoso, desconfiado, libidinoso y avaro, enemigo de la juventud. En otros argumentos, como en su rol de «Pantaleone dei Bisognosi» (de los Necesitados), es un anciano de buen corazón, bondadoso y comprensivo. Ambos tipos, no obstante, coinciden en el desarrollo de una misma personalidad dramática, la del mercader enriquecido que por lucrarse dejó de lado el amor y, sintiéndose viejo, intenta recuperarlo; pero su destino es ver cómo son otros los agraciados con el don amoroso, sean hijos o criados. En su rol bondadoso se consolará reparando los desastres de los jóvenes. En su rol celoso y resentido intentará entrometerse en su felicidad, muy a menudo, como padre de una hija joven y casadera. "Pantaleón" centra, junto con sus criados gran parte de la trama. Colombina
Una hermosa y coqueta doncella pretendida por Arlequín y que, a veces, termina casándose con él. Un personaje que por lo general aparece sin máscara en la Commedia dell'Arte.
Como la mayoría de las criadas, habla con acento toscano; huérfana o miembro de una familia tan numerosa y pobre que no puede alimentarla. Viste de campesina con un traje raído, o con vestidos de colores, y cuando se presenta como "Arlequina" suele llevar un traje parecido al romboidal convencional de "Arlecchino”. Colombina es el personaje femenino de mayor presencia en la Commedia dell'Arte. En el juego de tramas tejidas entre "criados" (zanni), "amos" ("vecchi") y "enamorados", Colombina es compañera y musa entre los sirvientes, tentación y cebo para los viejos y confidente y aliada de las jóvenes amas. Su nombre proviene del latín 'columba', paloma. Hábil, astuta e ingeniosa, sabe sacar partido de cualquier situación.Polichinela
También conocido como Pulcinella o Pulchinela. Popular rufián, alcahuete y filósofo; es un “zanni" con una especial capacidad de adaptación y una gran experiencia en apalear y ser apaleado.
Jorobado, barrigudo y de enorme nariz ganchuda (atributos físicos de su aspecto encorvado y su media máscara negra con profundas arrugas), es sin embargo un excelente orador y un singular cantor. Es el único que siempre conservó el traje blanco original, común a los «zanni».En el siglo XVIII, a Polichinela le creció la barba y el bigote, y un alto sombrero de alas levantadas. En la versión francesa, Polichinela evolucionó hacia un enano malvado que primero cambió su tocado por una pañoleta y finalmente recuperó el sombrero, ahora con dos plumas de gallo.
Se dice que Polichinela dio origen a lo que hoy conocemos como el Teatro Guiñol, o Teatro de Titiriteros.
Igor Stravinsky, creó un ballet con el viejo Polichinela como protagonista. El ballet se estrenó en la ópera de París el 15 de mayo de 1920 bajo la batuta de Ernest Ansermet. El bailarín Léonide Massine creó el libreto y la coreografía, y Pablo Picasso diseñó los trajes y decorados originales. La obra fue encargada por Sergei Diaghilev para sus Ballets Rusos.
http://youtu.be/nFNl6D75Jxo
http://youtu.be/WgSIKMrKgH4
http://youtu.be/DKBba6n5FTs
http://youtu.be/M1_QWhI-6Oc
http://youtu.be/2oK-ebUAphE
Este ballet fue retomado y revisado por dos expertos bailarines del New York City Ballet, George Balanchine y Jerome Robbins, que la pusieron en escena con ocasión del Festival Stravinsky de 1972.
También llamado Baloardo, Graziano, Spaccastrummolo y Balanzón. Personaje de origen boloñés, unas veces aparece como médico y otras como jurista, viste toga doctoral de la Universidad de Bolonia y habla con un marcado dialecto de esa región italiana. Un hombre obeso que disfruta de beber y comer en abundancia. Su máscara, que le cubre solamente frente y nariz, suele ser negra (otras veces color carne y con nariz roja); negros son también su sombrero y vestimenta. Entrometido, siempre enojado y no deja que nadie le dé lecciones sobre aquellos temas que asegura conocer en profundidad, que son muchos (medicina, leyes, etc.). No se cansa de repetir que ha estudiado en Boloña. Es a menudo retratado como una persona adinerada y procedente de una familia rica. Ama el sonido de su propia voz cuando pronuncia frases en latín macarrónico y griego incomprensible y es un personaje de la commedia en el que lo que dice, es más importante que sus gestos o cómo se mueve (preponderancia del texto sobre la mímica).
Los enamorados (innamorati)
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| Florindo |
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| Isabella |
Una pareja de enamorados que siempre cambian de nombre, que no son cómicos y alrededor de los cuales gira toda la acción y los personajes cómicos. Son el grupo más tópico y menos atractivo, aunque el resto de los personajes se mueven en función de sus sentimientos. Suelen ser el hijo o la hija de Pantaleone y de Il Dottore, o viceversa. Su base argumental es amar y ser amados, es decir amarse con cándida desesperación. Se expresan en un dialecto toscano culto, suspiran mucho y se dejan enredar por sus criados.
Todos los «innamorati» suelen ir sin máscara, en contraste con los mimos, bufónes y fantoches que les rodean en el escenario. Carecen de definición psicológica y su carga satírica o crítica es prácticamente nula. En el mismo grupo suele incluirse también a las cortesanas, que ponen en juego sus encantos cuando la trama lo requiere.
Picasso
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| El loco (cabeza de Arlequín). Pablo Picasso |
La pasión que Pablo Picasso demostró por diversos personajes de la comedia del arte, reunida más tarde en diferentes «suites» ("Suite de los Arlequines", "Suite de los Saltimbanquis", etc), ofrece una mirada poética de un mundo evocado por el pintor malagueño a partir de escenas circenses y otros espectáculos populares del París del primer cuarto del siglo XX. Desde sus cuadros del periodo rosa, como La familia de saltimbanquis (1905) o La mujer del acróbata (1904), hasta esculturas como la cabeza de El loco (cabeza de arlequín), modelada en barro tras una visita al "Cirque Medrano"; pasando por su variopinta serie de arlequines, Polichinelas y Pierrots, en la que se incluyen un par de famosos retratos de sus hijos Paulo y Claude
Picasso, fue invitado a realizar el diseño del decorado para la compañía de los Ballets Rusos, dirigida por Sergéi Diágilev, específicamente para el ballet: Parade en agosto de 1916. Picasso introdujo varios cambios en la obra y en enero de 1917 confirmó con Diágilev el acuerdo para realizar los decorados y vestuario para el ballet por la suma de 5000 francos.
Cuando Picasso no estaba trabajando, socializaba con Diágilev, con el coreógrafo de la obra Léonide Massine, el diseñador escénico Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, de los que hizo retratos rápidos y caricaturas. Durante este periodo conoció a la bailarina Olga Khokhlova, miembro de la compañía de Diágilev con la que acabaría casándose.
Conclusión
La Commedia dell’arte, más que social, fue un fenómeno intelectual, poético y literario. ¿Es un motivo, un estilo (el arlequinesco), un tema o una metáfora? La respuesta: de todo un poco.
La variedad de formas en las que este fenómeno se manifestó dificulta el poder definirlo. No era una escuela, ni un estilo único, ni una nueva forma de arte; era las tres cosas al mismo tiempo. La Commedia dell’arte era un signo de adherencia a la modernidad, ya sea en el campo de las artes visuales (Beardsley, Picasso, Braque, Ronault), en la ópera (Leoncavallo, Richard Strauss), en el ballet (Diagilev, Mikhail Fokin), en la música (Schönberg, Stravinsky, Prokofiev) y en la poesía (Rilke). La figura de Arlequín se convirtió en un ícono de la revolución modernista mucho más fuerte que la misma imagen de Lenin para la Rusia Soviética.
Para saber más:
La Commedia dell'arte en la pintura
http://www.amazon.com/Pierrot-Petrograd-Commedia-DellArte-Twentieth-Century/dp/0773511369
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