Nunca dejes de bailar. Asegura tu carrera década tras década.

Durante los últimos tiempos, algunos bailarines han demostrado que la danza ya no es necesariamente una carrera corta. "El mito de que tienes que dejar de bailar una vez que llegas a los 30 años está desapareciendo", dice Julia Iafrate, fundadora de la clínica Columbia Dance Medicine en la ciudad de Nueva York.
Sin embargo, mantenerse saludable durante toda la vida, requiere constancia y trabajo duro. Cuidar adecuadamente de tu cuerpo te asegurará que puedas seguir bailando todo el tiempo que quieras.

Bailar con máscara o cubre bocas, la nueva normalidad

Los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades (CDC 2020) actualmente recomiendan que todos usen una máscara (cubre bocas) de tela en lugares públicos, donde otras medidas de distanciamiento social son difíciles de mantener para frenar la propagación de COVID-19. 

Es importante destacar que los científicos de los CDC informan que muchas personas con COVID-19 carecen de síntomas (es decir, son "asintomáticos") y pueden transmitir la enfermedad a otros antes de mostrar cualquier signo perceptible. La evidencia sugiere que el virus puede propagarse entre las personas que interactúan muy cerca, por ejemplo, al hablar, cantar, toser o estornudar, incluso si esas personas no presentan ningún síntoma.

Poco a poco, las personas regresan a sus actividades cotidianas y los bailarines no son la excepción. Las máscaras faciales son esenciales para que profesores y bailarines (además de sus familias) se protejan del coronavirus.

¿Porqué todos los bailarines deberían aprender Ballet?

Hoy en día, los bailarines deben ser más versátiles para tener así un vocabulario corporal más amplio. Las técnicas y estilos no están peleados entre sí como se consideraba hace apenas unas décadas, sino que se complementan para formar mejores artistas.

Por ello, y a veces por motivos coreográficos, practicamos diferentes técnicas de danza que desarrollan nuestra fuerza física, nos enseñan habilidades acrobáticas o moldean la figura corporal.

Entre todas ellas, el ballet se considera una de las más importantes ya que permite al bailarín desarrollar una técnica estricta y minuciosa que mejora la consciencia corporal, el control muscular, las extensiones, la técnica del giro, la precisión y nos brinda una serie de habilidades que pocas técnicas o estilos nos pueden proporcionar.

¿Se debe gritar y animar durante una presentación dancística?

Si estás en una competencia de danza o en la función de fin de año de una academia, lo más probable es que escuches gritos y aplausos muy fuertes, tanto en la audiencia como en backstage. 



Apoyar a tus compañeros es y se siente genial, y en el contexto correcto, podría motivar a quienes están bailando. Pero las reglas de etiqueta para un espectáculo son complicadas. Cuando esos gritos son excesivos o irrespetuosos, pueden tener consecuencias negativas.



Entonces, ¿animar o no animar?

Crea tu propio calentamiento antes de una función

La temporada de Cascanueces está oficialmente sobre nosotros, lo que significa que el mundo del ballet está lleno de ensayos, días de espectáculos dobles y la magia del invierno (¡tal como nos gusta!). En medio del ajetreo y el bullicio, los bailarines tienen que tomar decisiones inteligentes sobre el calentamiento, especialmente entre funciones. Si bien las compañías a menudo ofrecen clases de calentamiento, nunca se sabe cuándo puede ocurrir algo inesperado, y es importante entender cómo crear el tuyo propio.

"Merde" y otras supersticiones

La danza es un arte efímero, desaparece en el mismo momento en que se crea; por lo tanto, el resultado del mismo está en la cuerda floja del azar, es imposible saber al 100% si una función va a resultar bien o no. Es entonces cuando aparecen las supersticiones y los amuletos que proporcionan al artista la seguridad y la tranquilidad que necesita antes de una función.

¿Por qué algunos de los bailarines más talentosos nunca “la hacen"?

En el mundo de la danza, una carrera exitosa requiere mucho más que una gran técnica.

¿Conoces el Grand Prix de Youth America?, uno de los concursos de ballet más prestigiosos de norteamérica y a nivel mundial. Desde su fundación en 1999, más de 80,000 bailarines han participado en él. Si bien cerca de 450 están bailando actualmente en compañías de todo el mundo; la gran mayoría (¡decenas de miles!) nunca llegan a bailar profesionalmente. Y estas son solo las estadísticas de una competencia.

Apuntes sobre la flexibilidad

Los bailarines, gimnastas rítmicos y algunos atletas desean flexibilidad máxima para desarrollar su arte y para empujar los límites del potencial humano; así que toman medidas extremas para ser más flexibles. Es por eso que el mundo de la flexibilidad está plagado de mitos sobre qué hacer, cómo hacerlo y qué no hacer.

 

¡¡¿Por qué me tengo que peinar de chongo?!!

Todo el mundo sabe que las bailarinas usan el pelo en un chongo; pero los profesores de ballet están siempre peleando con los padres y los estudiantes por conseguir que se peinen de chongo ¿Por qué es tan importante el chongo en una clase de ballet?

Abandonar nuestra academia

Esa academia donde aprendemos nuestros primeros pasos de danza, siempre será especial para nosotros y tendrá un lugar importante en nuestro corazón. Nuestro primer maestro(a), nuestros primeros compañeros, nuestro primer salón de danza. Pero sucede que, a veces, llega un momento en el que es preciso abandonar ese estudio, o a ese maestro(a); ya sea porque has alcanzado el máximo nivel que la academia puede ofrecerte y deseas seguir creciendo como bailarín, o porque tus otras actividades ya no te permiten seguir bailando. ¿Cómo tratar el tema con tus maestros, sin que se lo tomen a mal?

Ser un buen partner.

Pas de Deux significa "paso de dos" y es como se les conoce a los duetos en danza. Al bailar con un compañero; la bailarina puede saltar más alto, hacer posiciones que ella nunca sería capaz de hacer por su cuenta, y "flotar" sobre el escenario gracias a su pareja. Una compañera, permite a un hombre extender su línea y mostrar su fuerza.

Fusion Tour 2017, el nuevo proyecto del bailarín Gonzalo Preciado Azanza

El bailarín Gonzalo Preciado Azanza se encuentra inmerso en su segunda gira individual, Fusion Tour 2017. 

Tras convertirse en el primer bailarín español en unirse al Latvian National Ballet (Ballet Nacional de Letonia) y realizar su primera gira individual, The Reborn Tour 2016. Su siguiente proyecto, Fusion Tour 2017, iniciado a finales del pasado año y que finalizará en Septiembre, tiene el objetivo de continuar y afianzar las bases iniciadas en su anterior proyecto a través de diversos eventos en España, Letonia y otros países.

Sobreviviendo a una competencia

Preparar una competencia dancística, puede ser estresante y agotador física, mental y emocionalmente. Es posible experimentar todas las emociones que existen en tan solo un día: felicidad, decepción, miedo, alegría, tristeza, gozo, enojo, etc. En momentos así, es difícil mantenerse concentrado y enfocado. Por eso te presentamos aquí una guía para sobrevivir a las competencias.

Personalizar la zapatilla ("breaking")

Cuando el alma de la zapatilla (también llamada "shank") es muy dura, puede provocar que las zapatillas de punta nuevas se sientan como ladrillos en los pies. Es por eso que las bailarinas han ideado un montón de maneras de doblar, cortar y ajustar las zapatillas mejorando significativamente su duración. 

Historia y Tipos de Escenarios

El teatro, es el espacio destinado para la representación de las artes escénicas (música, danza, drama, ópera, etc) o utilizado para otros acontecimientos sociales (conferencias, congresos, conciertos, mitines).

Dentro del teatro, el escenario es el espacio escénico para los actores o intérpretes y el punto focal para el público. Puede consistir en una plataforma (a menudo elevada) o en varias. En algunos casos, pueden ser temporales o ajustables, pero en los teatros y en otros edificios de este tipo, el escenario suele ser un elemento estable y permanente.

Hablemos de... La Sylphide

Uno de los ballets más antiguos que se conocen, La Sylphide, merece atención especial no solo por su importancia histórica, sino porque fue una obra que cambió para siempre al ballet:

• El ballet se independizó de la ópera
• A partir de este punto, las obras se llenaron de personajes como sylphides, cisnes, willis y pájaros de fuego; combinando el mundo real con el fantástico
• Las bailarinas bailan en puntas por primera vez
• Las bailarinas son cargadas por sus partners como si flotaran mágicamente.
• Comienza la era romántica en el ballet.
• Se inventa el tutú romántico, punto de partida para el tutú como lo conocemos actualmente.

Desert Dancer (2015)

 

Situada en Irán, esta potente e increíble historia real, sigue la ambición de Afshin Ghaffarian.

Durante el clima volátil de la elección presidencial de 2009, donde fueron amenazadas muchas libertades culturales, Afshin y algunos amigos arriesgan sus vidas y forman una compañía de danza clandestina. A través de videos prohibidos en línea, aprenden sobre las leyendas que cruzan todas las barreras culturales, como Michael Jackson, Gene Kelly y Rudolf Nureyev. Afshin y Elaheh también aprenden mucho uno del otro: como abrazar su pasión por la danza y protegerse mutuamente.

Brochas y pinceles

Es sorprendente que existan mujeres que maquillan su cara con sólo una brocha. Es verdad que existen artistas del maquillaje capaces de crear obras de arte con sólo una brocha, pero en el caso de una bailarina, es preferible invertir algo de dinero en artículos que harán mas fácil y rápido el proceso del maquillaje teatral. 

La preparación física de un bailarín

Las clases de danza son la piedra angular de la formación del bailarín; proporcionan los requisitos técnicos, físicos y estéticos que su actividad demanda.

En los últimos años se ha llevado a cabo una considerable cantidad de investigación en relación con la salud y la integridad física de los bailarines. Los resultados indican que muchos bailarines no se encuentran en buena forma ni 100% saludables. También se ha encontrado que hay una discrepancia, en cuanto al nivel de intensidad física; entre clases, ensayos y funciones. Esto significa que los métodos de entrenamiento tradicionales, no son suficientes para preparar a los bailarines en los aspectos más demandantes y exigentes de su profesión.

Ser Profesional. Reflexiones.

Aprovechando que dispongo de este medio para comunicarme y expresarme, voy a dar un uso al blog más personal para intentar sacar mis frustraciones y preocupaciones más recientes. Siempre he pensado que escribir es una buena forma de aclarar las ideas y afrontar las cosas de una manera más objetiva.

En el medio dancístico (y supongo que en muchos otros medios también) el término "profesional" puede causar mucho conflicto, confusión e incluso frustración. En mi experiencia como maestra y también como bloggera, he notado lo siguiente: el bailarín no profesional sueña con llegar a serlo de una manera casi obsesiva. Anhela ese momento, pasa noches sin dormir pensando en cómo puede alcanzar la meta de convertirse en un bailarín profesional. Trabaja muy duro en clase, siempre puntual, siempre atento, siempre con un un objetivo en mente, el cual muchas veces le provoca lágrimas, tristeza y sobre todo incertidumbre: ¿Lo lograré?